【臺大戲劇】PQ’23布拉格四年展參與記述
Nov. 4, 2023, 10:40 p.m.
PQ的歷史
此盛事源於1959年始，捷克斯洛伐克（Czechoslovak，後解體為捷克與斯洛伐克兩國）於巴西聖保羅雙年展（São Paulo Art Biennial）以佈景學項目連續四屆獲得金牌。因此於1967年，由捷克斯洛伐克文化部發起、劇場協會（後更名為ATI）組織，從聖保羅雙年展獲得靈感並與之合作，首屆PQ於布拉格展覽中心（Výstaviště Praha）與華倫斯坦騎術學校（Valdštejnská jízdárna）開始舉辦。當時目錄簡單扼要寫道：「和聖保羅雙年展的舞台設計項目相較之下，該展以藝術層面作為判斷展作的主要標準――顯然是因為這部分甫列入雙年展視覺藝術的主題中――布拉格四年展則致力於捕捉舞台設計的獨具性質（specificity）、不可分離於導演或其他戲劇元素的佈景學性質，以及這領域的統合性質」。值得一提的是隨著1964年巴西獨裁軍政府上臺，對藝術領域進行審查、迫使藝術家流亡，使得自1969年起，巴西內外的藝術家紛紛抵制雙年展持續7屆之久，雙年展之於佈景學領域的重要性也受到嚴重削弱。
PQ當時主要看重舞台設計與服裝設計兩個面向，並主要分為兩區：國家區與捷克斯洛伐克區，前者將從參賽作品選定最高獎項：黃金戰馬三車獎（Golden Triga），這個獎項也持續至今；後者則獨立展列當地創作者的作品。
當時，除了透過外交部、大使館等國際外交的方式遞出邀請，PQ也透過國際戲劇協會（ITI）廣布消息。同時，PQ很快地也列為聯合國教科文組織（UNESCO）的重要文化活動。當時參賽的國家有20個，其中有13個歐洲國家、4個美洲國家，以及澳洲、日本、突尼西亞，分別來自大洋洲、亞洲以及非洲，至今PQ仍以歐洲國家作為大宗參與者。此外，首屆PQ舉辦隔一年同於布拉格成立的OISTT（後更名為OISTAT，現今全稱為「國際舞台美術家、劇場建築師暨劇場技術師組織」），自起初便與PQ有著密切互動，持續到現在。
臺灣參展作品〈稀有之船〉。（攝影：蕭瑋均）
PQ’23總括
今年PQ為第十五屆，可稱PQ’23，展期為2023年6月8日至18日，共分為幾個項目，以「rare」（稀奇、珍貴之義）為題目發展。箇中最重要的展覽為國家與地區展（Exhibition of Countries and Regions）和學生展（Student Exhibition），皆於主展區，也就是前身為中央屠宰場的霍爾索菲斯市集（Holešovická tržnice）展出。其餘項目有PQ Studio、PQ Performance、PQ Talks、PQ Best Publication Award等項目，主要於協辦單位貿易展覽宮（Veletržní Palác）、布拉格表演藝術學院戲劇學院（DAMU）等地進行與呈現。
今年PQ合計不同項目、展覽，有60個以上的國家與地區參展，於「國家與地區展」此項目就有51個之多的參賽地區，歐洲31、亞洲10、美洲7、非洲1、大洋洲2，包含香港、澳門、加泰隆尼亞、魁北克等不算國家的地區。單看國家與地區展，與首屆PQ相比，參賽地區多出兩倍、亞洲地區參與比例提高至近五分之一。不過歐洲地區依然高占五分之三，其餘四大洲參與地區並不多，或許和中介機制有高度相關。
以臺灣來說，臺灣是OISTAT少數的亞洲成員之一（事實上，OISTAT成員國的分布與PQ參與國家／地區的分布很相似――亞洲少了一大塊、非洲只有一點點、大洋洲一片荒蕪），也是因為此關係參與PQ。話說從頭，自臺灣民間基金會奔走下成功加入OISTAT成員後，便成立TATT（現名為台灣技術劇場協會），憑依OISTAT與PQ的密切連結，TATT號召臺灣劇場界部分人士組織PQ’99的考察團，於PQ’03整合臺灣境內相關人才資源參展，自那時起，PQ國家與地區展、學生展的報名、策展人邀約、徵件、展覽組織都由TATT主導，也因此從TATT到PQ的中介過程一直受到批評。另外，TATT也依賴著經費參與PQ，如這次PQ中，因經費限制緣故，TATT便沒有參與學生展，也就是說中介組織的情形，也會影響到該國家／地區的參與。
國家與地區展
國家與地區展分為三個不同大小的倉庫展覽，須持有通行證（分有工作人員、相關單位以及販售型的）才得進入參觀。
國家與地區展的其中一個倉庫（攝影：蕭瑋均）
由於空間高而寬敞，可以容納相當多差異極大的作品，但作為觀者，我覺得有些眼花撩亂，作品之間比鄰著，如同盛大的嘉年華，歡迎觀者自由參與或離開；或如遊樂園，買門票入場體驗各式遊樂設施，總之玩得開心就好；或者是奢華商展，會有友好的工作人員拿著名片推銷作品理念，指示你掃描「瞭解更多」的QR Code，掃開後是作品的設定集、發展歷程、工作人員名單等等，希望你對他們的作品買單。真箇是「一花一世界」，這些計劃疊壓眾多時間、人力、成本形塑成一個古怪費解的實體裝置，甚至不見得是實體的。你必須投注時間、精力解讀，或與作品互動、溝通，才能真正地向這些展品更近一步。
不過光是互動與溝通又是一門課題，這裡展覽的共同語以英語為主，難以從膚色判斷他們英文講得多好，除非他們開口；介紹自己的作品、認識他人的作品、結交朋友或工作夥伴，英文勢必不可缺少，人們會試著諒解英語非母語者，但語言障礙的確存在於觀者與作品、創作團隊之間。比如當我站在摩洛哥的〈塔布什帽的秘密〉（The Tarbouch secret）前，一個身子覆蓋罩袍的人形戴著紅色圓形且小巧的Tarbouch帽，手上棲息一隻銀色鴿子，在它之外還有一個巨大的透明圓錐狀的罩子，觀者可以進入。當時我注意到展品旁坐著一名溫和的亞非裔穆斯林長者，我向前詢問他展品的細節與意涵，他與我互承彼此的英文並不好，在兩方掙扎擠出一些字詞努力後，我們掛著微笑，結束這尷尬的對話。儘管沒有因此更認識展品，作品蘊含的簡單形體、色塊與摩洛哥的傳統形象卻仍然縈繞在我腦海之中。
摩洛哥〈塔布什帽的秘密〉（The Tarbouch secret）（攝影：蕭瑋均）
順道介紹臺灣的作品，由TATT組織，名為〈稀有之船〉（The Rare Ship），相當切合本屆主題。在一塊五公尺大小的正方形白色空間中，有一架立起的麥克風，當觀者使用時，前方螢幕裡的舞者以及海浪會隨聲音頻率、音高、聲量有所變化；旁邊不遠處有另一個螢幕，輪流播放著臺灣選出的近幾年優秀的劇場設計作品。除此之外還有合作的表演者，霎白粉妝，以不同於常的誇張表演詮釋兩個節選的文本。
再讓我們關注本屆獲得最高獎項Golden Triga的賽普勒斯〈鬼城裡的觀眾〉（Spectators In A Ghost City），身在最多豐富作品的倉庫中――和摩洛哥、臺灣同個倉庫――卻脫穎而出。它是三個加高的建築模型，加高的結構是鏽蝕的鐵紅色，建築物本身則幾近石灰色，整體顏色色澤晦暗。建築物上頭則安放略長的日光燈管，底下的結構配有螢幕，播放一些歷史畫面以及創作者在當地的演出畫面。跟其他具有多元裝置或色彩鮮艷、展演空間具有巧思的作品比起來，十分低調。該作品重建的是一座鬼城Famagusta，1974年因土耳其入侵而遭國家封鎖遺棄，無人居住，直到2020年開放進入。該城如同琥珀封存了50餘年的歷史，創作者挑選該城的建築物重建模型，以讓觀者得以沉浸這充滿故事性的場景，辯證歷史、空間與烏托邦等等。
這些背景介紹是經過我查詢而來，若是缺少背後脈絡、論述或創作背景，其實跟我查詢前的理解是完全不同的，當然創作者與觀者之間的解讀差異是個老議題，不過這也提醒我們，對於PQ而言，創作論述或相關的輔助文字非常重要。頒發獎項時，評審也針對〈鬼城裡的觀眾〉說：「這作品精緻且富有層次，展示了佈景學如何探討與處理關於記憶、缺席和存在的在地主題，這些在全球都有所共鳴。它自我批判，使觀者觀看衝突與創傷的地點――無論是真實的或再現的――來質疑自身作為觀眾的位置。因著觀看過去――透過建築物狹小方口窺見該地點的現在與可能的未來――這作品引發苦痛，卻同時隱含著珍稀的（rare）希望。」
學生展
學生展，一般是由教育機構或學生為主體參與，本次開放至畢業五年內的年輕設計師、新創工作室參與。
本展是在露天展設，不須通行證。若是想看到完整展品只須挑個晴天的下午前來，若逢雨天，或太早、太晚來，大部分展品都被包覆，無法觀看。此舉是為了突如其來的雨水淋濕作品，且顧展者也都不在，擔心有些部件可能會遺失。相較於國家與地區展，各個參展團隊在學生展安排比較多的顧展人力，除了因戶外沒有志工看管外，大概也是因為學生相對而言更有熱情和他人互動。
學生展區域的服裝走秀活動，讓參與團隊得以展示自己設計的衣服。（攝影：蕭瑋均）
此處介紹幾個學生展作品。首先是哈薩克的〈綠色市集〉（K’ok Bazaar – The Green Market），是哈薩克國家藝術學院（KazNAA）與美國卡羅萊納海岸大學（CCU）的合作計畫，KazNAA在CCU徵件，從獲選團隊的提案計畫中發展許多想法，CCU方則是幫忙構建整個空間。觀者看到的是一個方形的白頂帳篷，三面垂掛不同花色的布氈，其中一個布氈上甚至每隔一個手掌的距離，就綁上一塊彩繪過的獸骨。帳棚正下方是鋪上布氈的擺設桌，有各式哈薩克傳統與非傳統的物件，均是從位於哈薩克曾經的首都阿拉木圖（Almatı）同名大型市集購買。除了認識哈薩克傳統物件與吃食外，他們還有一個小項目是透過交換身上的物件來交換故事，這也扣在他們試圖再現市集作為交換、貿易場域意圖。另外可以注意到在該展區，與觀者交涉的幾乎都是僅是去過數天哈薩克的美國學生，文化詮釋如同貨物也經過轉手，這或許可以當作另一種閱讀的方式。
再來是巴西的〈傳統與僭越〉（Tradition and Transgression），由場景拼寫（Grafias da Cena）這個劇場協會組織，他們同時負責國家與地區展和學生展。學生展的部分，他們以「傳統與越界」作為發展核心，向全國學生徵件，選定的項目就會放入這個作品呈現。從外觀看，一個帳篷籠罩著井然有序的龕櫥，每格龕櫥都是不同項目，以模型、草稿等呈現，如同小型的巴西嘉年華（Carnaval）。由於他們作品不一而足，難以概括，於此不贅述，但集合學生的作品，展設於國際，對於國內學生想必也能起到很大的鼓勵作用。另外，外部帳篷的概念可連結至古希臘劇場的Skene，可說是活用劇場的傳統知識，並重新推挪、跨越界線的一種應用。
休息中的派對小屋，德國〈視角PQ〉（POV PQ）。（攝影：蕭瑋均）
最後我個人最喜歡，也互動最多次的作品是德國的〈視角PQ〉（POV PQ），該作品結合德國活潑多元的俱樂部（club）文化以及精緻且講究紀律的園藝文化，系屬德國薩克森自由邦的首府──德勒斯登的兩間學校合作，德勒斯登美術大學（HfBK Dresden）與德勒斯登技術大學（TU Dresden）。這是間以炭化木搭建的花園小屋，屋外壁上張貼一些海報、插了一支小型的彩虹旗，彰顯同志驕傲月（Pride Month）的精神：「你可以愛你想愛的人、你可以成為任何人，沒有說教、沒有評斷」。在官方公告的時段裡，小屋會開啟，煙霧蒸騰、光芒四射，屋內裝有感測器，人們可以與之互動，透過微控制器（microcontroller）與訊息佇列遙測傳輸伺服器（MQTT server），屋內的燈光場景會隨著進行變化。除此之外，他們邀請一些DJ表演，DJ身後還有設計好的動畫在跳動。他們穿戴螢光色的背心、深黑墨鏡，而背心上噴上德國傳說中的地精，在屋內外不斷舞動。就我觀察，有些觀眾參與每場小黑屋派對，其中許多人裝束不拘傳統性別形象，或有耄耋老者、即興口琴手、攜帶兩名幼童的母親、第一次舞動身體的亞洲女生等各式的人。由於場地沒有提供酒水，有人甚至到附近買來，邊喝邊搖曳。在狹小悶熱的空間裡不斷跳動，某個瞬間我突然覺得自己消融在集體之中，只有快樂與平靜，如同在德國山間蒔花弄草，不知日月。
PQ Studio
這個項目較為特別，分為三個子項目，分別是[UN]Common Design Project、PQ Studio Stage、PQ Studio Workshops & Masterclasses。由於後兩者我並沒有參與太多，故只介紹第一個子項目，也是我們此行參與的項目，此子項目於貿易展覽宮舉辦，離主展場有些距離，又位於室內，也因此布完展後，沒有任何參展團隊於此顧展。
[UN]Common Design Project以全球學校為目標單位，向學生徵件，以提案計畫（proposal）進行篩選，形式則是有所限制的圖像、錄像、錄音等。受選學校除了原先的繳交的內容外，另可展設其他裝置、模型，以協助傳達作品理念。篩選過程中，PQ方另外要求團隊繳交以作品核心概念，與自身所在的城市進行互動的表演紀錄，並將成果作為一部分的展設。評審們從27件投件中挑選出13件，我們便是唯一參與的亞洲地區團隊。入選者會在展設的後期進行連續三天的藝評會，與評人則會給予回饋、建議與提問。
我們團隊根據其中一位創作者蔡枋錡的夢境發想，打造一個文本，與其他團隊不同，他們均是依據現成文本發展。我們敘述近未來的世界，人們好奇的事物與人性、倫理都有所變化，開始使用人造人進行實驗。然而這些人造人共同有個缺陷，他們毫無情感，而實驗便是想得知透過模仿舊時代的人類，人造人能否激發出情感，以助益近未來的人們更能了解情感之產生、運作與消失。我們想要表現的主題是「情感是很珍貴稀有的不可思議之物」，從缺乏情感的人造人行動開始，預期會給觀眾相當不協調的體驗，原來人沒有情感作為緩衝和互動的調劑是相當恐怖的，情感無論是快樂、痛苦、悲傷，都是我們習以為常的，試想我們生活在一個沒有情感的世界裡，情感能作為什麼角色，人又會被如何對待，或彼此對待。
我們展設的舞台模型，此處拍攝的是內部結構。（攝影：潘容歡）
在創作過程中，我們與數位指導老師開過十餘次會議，老師們也邀請河床劇團的郭文泰演講，對我們助益頗大。出國前，我們也在校內文學院大廳進行預展。舞臺設計上，我們設想百年後華山文創園區的倉庫被未來人作為實驗的根據地，倉庫中假想的實驗室本身是近未來風格，裡面安置著傳統、在地且具臺灣特色的視覺元素。同時，為了呈現人造人與未來人的對比，我們實際做出兩套服裝分別代表：人造人是白色半剝落的材質包裹全身，底部則為當代臺灣流行的連衣裙，當白色材質剝落越多，越能顯現連衣裙的本色，以及上面繡的紅梅，象徵情感從無至有的迸發；另一套是未來人的服裝，以塑膠布與靜電貼模製成，另裝有光纖材質與塑膠所製的輸送管，意為未來人連結人造人的通道。燈光設計考量情節與空間，在華山倉庫內牆壁貼上一層燈箱，用於展示人造人的情感變化，而後則可指示觀眾移動。聲音設計則透過AI語音、電子聲與acapella進行未來與當代的對比，強化冷漠與有情感的反差。
在藝評會中，我們發表完作品內容、發展過程與意涵後，當時與評人之一蘇珊・蘇（Susan Tsu）給予的評價讓我記憶猶新，她說我們的作品是完成度相對高的，休息時間還面帶微笑來找我們，說很高興能看到臺灣的學校有那麼紮實的訓練。除了Susan Tsu外，我們也有認識到其他團隊的華人參展學生，頗有他鄉遇故知之感。
我們於臺大文學院大廳預展的兩套服裝。（攝影：陳玫瑄）
餘聲
在PQ的這十餘天，有許多衝擊。比如志峰老師牽線讓我們與佛羅里達州立大學（FSU）的師生交流，得知他們在碩士入學讀一學年後（而且許多並非本科生），從事學校的製作便可開始領薪水，儘管經費大概是轉嫁到贊助、募資上，但對於學生不啻為鼓勵。又或者在PQ Studio的活動中，藝評會的與評人都會稱讚喜歡學生作品的哪部分，再提出哪裡可以修正或再思考，而非純然地只依據自身好惡臧否，忽略學生感受。這樣對於學生作品的尊重，在筆者經歷的劇場教育中，較少感受到，但這樣的做法在其他國家似乎很普遍，這或許也與文化環境有關，然而這也會直接影響學生對於創作的信心養成。另外，筆者也觀察到本屆PQ，主要的國家與地區展和學生展，展品大多數都是需要互動的，不同於首屆僅僅觀看舞台模型、大型雕塑或裝置而已，更加注重觀眾的體驗，這樣的轉向值得繼續觀察，可能也和觀眾類型愈趨多元（美學、文化、階層等）有關。
筆者認為，於此一趟，最重要的或許不是在展上嶄露頭角、讓「國際」看到我們，而是認識志同道合的朋友，並容納更不同、更豐富的觀點，努力延展自身的疆界，相信世界還有更多種方式可以觀看、體驗與介入。
感謝名單
這篇文章的完成感謝陳志峰老師，PQ認識的朋友Björn、Cooper、Marcella，以及和我同團隊的潘容歡、陳玫瑄、邱榆婷、蔡枋錡、李宛曈、許卉玨。至於我們作品的完成也仰賴諸位指導老師：李柏霖、王正源、王怡美、陳志峰、鄧振威。
作者：蕭瑋均（臺大戲劇系學生）
責任編輯：陳明緯
審稿：李亭萱
